- No dibuje nunca lo que pueda copiar.
- No copie nunca lo que pueda calcar.
- No calque nunca lo que pueda recortar y pegar.
lunes, 22 de agosto de 2011
LEY DE WALLACE WOOD SOBRE EL DIBUJO
atragantArte
Recetas para el apetito estético:Las perforMANcenas del artista César Martínez Silva
Atrévase a digerir literalmente ‘un cadáver exquisito'.
Deguste y saboree el cuerpo Rico de Amé Rica G-Latina
César Martínez
El artista César Martínez (Ciudad de México, 1962) hace de la comida un producto artístico al escultococinar una gelatina con forma de cuerpo humano para realizar una serie de performances que simulan un banquete antropofágico. Estas acciones las ha repetido en diferentes partes del mundo a lo largo de catorce años (1993-2007) y han variado de acuerdo al lugar donde se presentan. La producción de la escultura comestible toma alrededor de 6 horas, se realiza en un molde de silicón con estructura de fibra de vidrio cuya capacidad es de 87 litros, y requiere de dos ayudantes para llevarla a cabo y cinco para vaciar la gelatina, cuyo peso aproximado es de 90 kilos. La receta la ha depurado hasta lograr un aspecto más cercano a la apariencia física del cuerpo, donde la gelatina es el componente aglutinante, pero en algunas ocasiones también han sido de chocolate, material interesante por su origen americano. En cada ocasión, los ingredientes que conforman el platillo son seleccionados estratégicamente para hacer referencia a la cultura local. En Mallorca, España, como parte de la celebración de Sant Joan en 1999, cocinó un Cada-ver Exquisito de chocolate mezclado con nueces y almendras, relleno de postres típicos del país: dedos de novia, brazos de gitano, bollería tradicional, ensaimada (pan tradicional de Mallorca), turrón de alicante, mazapanes, cerezas envinadas, trufas con licor, etc. Todos los elementos se colocan, "cubriendo las expectativas de un buen postre, hasta la composición plástica misma", con el mayor cuidado en los ingredientes. La repartición del platillo -la parte del cuerpo- es a elección del participante, generalmente personas que asisten a museos y galerías de arte contemporáneo. El evento conserva una actitud a partir de las "buenas costumbres" sobre las que se ironiza y los ingredientes "de lujo" nos enfrentan a las desigualdades sociales que generó la satisfacción del placer, por encima de necesidades básicas.
En las acciones de César Martínez la comida señala el enlace de distintos elementos simbólicos, históricos y culturales que muestran formas e intereses específicos de relación social. La aguda problemática política, económica y social de México durante los años noventa, llevó a varios artistas a trabajar sobre un contexto de corrupción y violencia que señalaba el fracaso de las instituciones para dar soluciones concretas a problemas específicos. El cuerpo humano fue utilizado como una imagen del cuerpo social donde se representaban distintas problemáticas como la corrupción, la polarización, la identidad, la diversidad sexual y la muerte. La identidad fragmentada, la bancarrota del espíritu "revolucionario" del Estado y el ascenso del neoliberalismo son los indicadores que llevaron a César Martínez a presentar América Latina en las perforMANcenas como un cuerpo sacrificado (cuerpo significado, prefiere llamarle), un platillo a consumir en porciones "al gusto" como un cadavre exquis, el juego de salón que adoptaron los surrealistas, donde alguien anotaba una frase en un papel para que el siguiente participante continuara la "historia".
La intención de presentar el evento artístico como alimento ha sido una estrategia artística que podemos rastrear en la primera mitad del siglo XX; desde su nombre e intención paródica de la modernidad, las perforMANcenas se inscriben en la tradición de los movimientos artísticos de vanguardia. Para celebrar el regreso de Guillaume Apollinaire de la guerra, Picasso y algunos amigos organizaron un banquete en el que ofrecían platillos como "Hors d' oeuvres cubistas, orfistas, futuristas, etc.", "meditaciones estéticas en ensalada", "café de las veladas de París"; Triztán Tzara evocaba atributos comestibles, a manera de receta de cocina en su discurso: "para elaborar un poema dadaísta... tomen un periódico... agítese cuidadosamente... cópiese consecutivamente...". Uno de los procedimientos del automatismo psíquico de Salvador Dalí consistió en emplear los alimentos para hacer referencia al consumo de masas, donde la comida devora a los hombres. Los discursos que pronuncia César Martínez en las perforMANcenas, en su intención de fragmentar el lenguaje para romper los sistemas simbólicos a través del contraste y el conflicto humorístico, están estrechamente vinculado a los procedimientos de rearticulación del lenguaje de Alfred Jarry y Guillaume Apollinaire, y comparte la característica con las veladas dadaístas y surrealistas de ser el inicio de la presentación artística.
Hacia 1930, los futuristas continuaban su intención de trasladar los efectos artísticos a la vida cotidiana, la aspiración de hacer de la vida una experiencia estética; Marinetti escribió: "vendrá el tiempo cuando la vida no será un simple objeto de sustento y trabajo, tampoco una vida de ociosidad, sino una obra de arte". Como claro antecedente de las perforMANcenas, en el texto La comida futurista: una comida que evitó un suicidio se señalaba la posibilidad de salvar la vida mediante la ingestión de esculturas comestibles con forma de cuerpo humano, construidas con el mayor cuidado en los ingredientes y originalidad en la receta. Este tipo de prácticas artísticas relacionadas con la comida y su vínculo con la vida serían retomadas en los años setenta por los artistas Joseph Beuys y Daniel Spoerri, creador de la serie de piezas Eat-Art que consistían en la confrontación entre relaciones culturales arte-cocina, quienes crearon restaurantes temporales donde se servían banquetes teniendo como sobremesa la ironía y el humor. Fue en el Restaurant Spoerri donde Beuys realizó platillos con variados ingredientes. Su interés, al trabajar con estos materiales, era lograr que la vida traspasara al arte con el propósito de recuperar la conciencia vital a través del mismo.
Mientras el modelo en las relaciones arte-vida, a través del vínculo con la comida, para los futuristas implicaba llevar los sentidos hacia el paroxismo por medio de la creación artística, Beuys empleaba materiales comestibles como oportunidad de tomar conciencia sobre la vida. César Martínez plantea el proceso artístico como una actividad que consiste en:
Digerir literalmente una obra, hacerla suya, degustarla y saborearla para que luego circule como una glucosa en el interior de nosotros mismos. Después podremos arrojarla cagando, viviendo el arte hasta ese momento preciso, y comprendiendo mejor la faena más rutinaria de nuestra existencia.
Otro claro referente de las perforMANcenas, es la obra La Patente del Taco (1979), donde el No-Grupo -colectivo conformado en los años setenta por Maris Bustamante, Melquíades Herrera, Rubén Valencia y Alfredo Núñez- hacía referencia a la imagen del taco como símbolo fálico y nacional, empleándolo como resistencia frente al avance del capitalismo trasnacional y, al mismo tiempo, liberador de una sexualidad reprimida. Esta pieza fue crucial para César Martínez ya que trata el elemento de la comida, que posteriormente retomará en las perforMANcenas, al igual que Bustamente, casi con las mismas palabras al digerir un alimento con cualidades eróticas y culturales: "Atrévase a cometer un acto erótico: ¡cómase un taco!"
Las perforMANcenas presentan a los productos artísticos como equivalentes a cualquier producción humana, donde los objetos establecen intercambios a partir del ciclo de consumo: obtención, distribución y desecho. De esta manera, el arte se convierte en un equivalente a la vida cotidiana, estableciendo significados que nos constituyen como intérpretes y funcionan como clave del análisis cultural.
Claudia A. Arozqueta
TOMADO DE: http://www.pintomiraya.com.mx/lapala_nuevaweb/index.php?option=com_content&task=view&id=82&Itemid=29
Atrévase a digerir literalmente ‘un cadáver exquisito'.
Deguste y saboree el cuerpo Rico de Amé Rica G-Latina
César Martínez
El artista César Martínez (Ciudad de México, 1962) hace de la comida un producto artístico al escultococinar una gelatina con forma de cuerpo humano para realizar una serie de performances que simulan un banquete antropofágico. Estas acciones las ha repetido en diferentes partes del mundo a lo largo de catorce años (1993-2007) y han variado de acuerdo al lugar donde se presentan. La producción de la escultura comestible toma alrededor de 6 horas, se realiza en un molde de silicón con estructura de fibra de vidrio cuya capacidad es de 87 litros, y requiere de dos ayudantes para llevarla a cabo y cinco para vaciar la gelatina, cuyo peso aproximado es de 90 kilos. La receta la ha depurado hasta lograr un aspecto más cercano a la apariencia física del cuerpo, donde la gelatina es el componente aglutinante, pero en algunas ocasiones también han sido de chocolate, material interesante por su origen americano. En cada ocasión, los ingredientes que conforman el platillo son seleccionados estratégicamente para hacer referencia a la cultura local. En Mallorca, España, como parte de la celebración de Sant Joan en 1999, cocinó un Cada-ver Exquisito de chocolate mezclado con nueces y almendras, relleno de postres típicos del país: dedos de novia, brazos de gitano, bollería tradicional, ensaimada (pan tradicional de Mallorca), turrón de alicante, mazapanes, cerezas envinadas, trufas con licor, etc. Todos los elementos se colocan, "cubriendo las expectativas de un buen postre, hasta la composición plástica misma", con el mayor cuidado en los ingredientes. La repartición del platillo -la parte del cuerpo- es a elección del participante, generalmente personas que asisten a museos y galerías de arte contemporáneo. El evento conserva una actitud a partir de las "buenas costumbres" sobre las que se ironiza y los ingredientes "de lujo" nos enfrentan a las desigualdades sociales que generó la satisfacción del placer, por encima de necesidades básicas.
En las acciones de César Martínez la comida señala el enlace de distintos elementos simbólicos, históricos y culturales que muestran formas e intereses específicos de relación social. La aguda problemática política, económica y social de México durante los años noventa, llevó a varios artistas a trabajar sobre un contexto de corrupción y violencia que señalaba el fracaso de las instituciones para dar soluciones concretas a problemas específicos. El cuerpo humano fue utilizado como una imagen del cuerpo social donde se representaban distintas problemáticas como la corrupción, la polarización, la identidad, la diversidad sexual y la muerte. La identidad fragmentada, la bancarrota del espíritu "revolucionario" del Estado y el ascenso del neoliberalismo son los indicadores que llevaron a César Martínez a presentar América Latina en las perforMANcenas como un cuerpo sacrificado (cuerpo significado, prefiere llamarle), un platillo a consumir en porciones "al gusto" como un cadavre exquis, el juego de salón que adoptaron los surrealistas, donde alguien anotaba una frase en un papel para que el siguiente participante continuara la "historia".
La intención de presentar el evento artístico como alimento ha sido una estrategia artística que podemos rastrear en la primera mitad del siglo XX; desde su nombre e intención paródica de la modernidad, las perforMANcenas se inscriben en la tradición de los movimientos artísticos de vanguardia. Para celebrar el regreso de Guillaume Apollinaire de la guerra, Picasso y algunos amigos organizaron un banquete en el que ofrecían platillos como "Hors d' oeuvres cubistas, orfistas, futuristas, etc.", "meditaciones estéticas en ensalada", "café de las veladas de París"; Triztán Tzara evocaba atributos comestibles, a manera de receta de cocina en su discurso: "para elaborar un poema dadaísta... tomen un periódico... agítese cuidadosamente... cópiese consecutivamente...". Uno de los procedimientos del automatismo psíquico de Salvador Dalí consistió en emplear los alimentos para hacer referencia al consumo de masas, donde la comida devora a los hombres. Los discursos que pronuncia César Martínez en las perforMANcenas, en su intención de fragmentar el lenguaje para romper los sistemas simbólicos a través del contraste y el conflicto humorístico, están estrechamente vinculado a los procedimientos de rearticulación del lenguaje de Alfred Jarry y Guillaume Apollinaire, y comparte la característica con las veladas dadaístas y surrealistas de ser el inicio de la presentación artística.
Hacia 1930, los futuristas continuaban su intención de trasladar los efectos artísticos a la vida cotidiana, la aspiración de hacer de la vida una experiencia estética; Marinetti escribió: "vendrá el tiempo cuando la vida no será un simple objeto de sustento y trabajo, tampoco una vida de ociosidad, sino una obra de arte". Como claro antecedente de las perforMANcenas, en el texto La comida futurista: una comida que evitó un suicidio se señalaba la posibilidad de salvar la vida mediante la ingestión de esculturas comestibles con forma de cuerpo humano, construidas con el mayor cuidado en los ingredientes y originalidad en la receta. Este tipo de prácticas artísticas relacionadas con la comida y su vínculo con la vida serían retomadas en los años setenta por los artistas Joseph Beuys y Daniel Spoerri, creador de la serie de piezas Eat-Art que consistían en la confrontación entre relaciones culturales arte-cocina, quienes crearon restaurantes temporales donde se servían banquetes teniendo como sobremesa la ironía y el humor. Fue en el Restaurant Spoerri donde Beuys realizó platillos con variados ingredientes. Su interés, al trabajar con estos materiales, era lograr que la vida traspasara al arte con el propósito de recuperar la conciencia vital a través del mismo.
Mientras el modelo en las relaciones arte-vida, a través del vínculo con la comida, para los futuristas implicaba llevar los sentidos hacia el paroxismo por medio de la creación artística, Beuys empleaba materiales comestibles como oportunidad de tomar conciencia sobre la vida. César Martínez plantea el proceso artístico como una actividad que consiste en:
Digerir literalmente una obra, hacerla suya, degustarla y saborearla para que luego circule como una glucosa en el interior de nosotros mismos. Después podremos arrojarla cagando, viviendo el arte hasta ese momento preciso, y comprendiendo mejor la faena más rutinaria de nuestra existencia.
Otro claro referente de las perforMANcenas, es la obra La Patente del Taco (1979), donde el No-Grupo -colectivo conformado en los años setenta por Maris Bustamante, Melquíades Herrera, Rubén Valencia y Alfredo Núñez- hacía referencia a la imagen del taco como símbolo fálico y nacional, empleándolo como resistencia frente al avance del capitalismo trasnacional y, al mismo tiempo, liberador de una sexualidad reprimida. Esta pieza fue crucial para César Martínez ya que trata el elemento de la comida, que posteriormente retomará en las perforMANcenas, al igual que Bustamente, casi con las mismas palabras al digerir un alimento con cualidades eróticas y culturales: "Atrévase a cometer un acto erótico: ¡cómase un taco!"
Las perforMANcenas presentan a los productos artísticos como equivalentes a cualquier producción humana, donde los objetos establecen intercambios a partir del ciclo de consumo: obtención, distribución y desecho. De esta manera, el arte se convierte en un equivalente a la vida cotidiana, estableciendo significados que nos constituyen como intérpretes y funcionan como clave del análisis cultural.
Claudia A. Arozqueta
TOMADO DE: http://www.pintomiraya.com.mx/lapala_nuevaweb/index.php?option=com_content&task=view&id=82&Itemid=29
francis alÿs
"... Me paso mucho tiempo caminando por la ciudad ...
El concepto inicial de un proyecto a menudo surge durante una caminata. Como artista, mi posición es similar a la de un transeúnte constantemente tratando de situar(me) a mí mismo en un entorno móvil.
Mi trabajo es una sucesión de notas y guías.
La invención de una lengua va de la mano con la invención de una ciudad. Cada una de mis intervenciones es otro fragmento de la historia que estoy inventando, de la ciudad que me cartografía ". Francis Alÿs, DF., Mexico 1993.
Francis Alÿs (Amberes, 1959); realiza estudiós en el Instituto de Arquitectura de Tournai en Bélgica y en el Instituto Universitario de Arquitectura de Venencia. Rádica en la Ciudad de México desde 1990. Desde su estancia en nuestro país y a través de caminatas y recorridos por la Ciudad de méxico, inicia su desarrollo como artísta de planteamientos conceptuales impulsados por la práctica y producción de carácter multidisciplinario: Video, dibujo, pintura figurativa, instalación, páginas web, series fotográficas, performances, animaciones, entre otros medios. Por ejemplo, la múltiplicidad de la interpretación, fue el pivote que cimento la propuesta de desarrollar con pintores rotulistas, cientos de piezas que eran interpretadas y reelaboradas por ellos, al punto de crear una cooperativa sindical.
Cuentos Patrioticos (1997), en el zócalo, condujo un rebaño de ovejas en círculo alrededor del asta al centro de la plaza con la bandera nacional izada -En el 68, el PRI contrato a gente acarreada para que se manifestara a favor de su política, estos protestaron en la plaza, balando para manifestar su condición de acarreadas e insatisfacción con el gobierno.
Zócalo (1999) en colaboración con Rafael Ortega, se documentan 12 horas tras la progresión de la sombra del asta en el zócalo del DF., durante el curso de un día. De acuerdo a Alÿs: “ Es una película de como los registros de encuentros sociales arbitrarios a veces puede ser percibida como situaciones escultóricas”.
Turista. Francis con cartel ofreciendo sus servicios de turista. En el mismo sitio junto al zócalo se ponen algunas personas a ofrecer con un cartel el servicio de alguna habilidad: electricista, carpintero, plomero, etc.
La Fe Mueve Montañas. pieza realizada en Lima Perú en colaboración de 500 voluntari@s, armados de palas, logran desplazar por 4 pulgadas una enorme duna de arena.
“Algunas veces el no hacer nada nos lleva a hacer algo”. Looking Up. Video, Èl se para en medio del zócalo a mirar el cielo. No hace nada, sólo levanta la mirada hacia el cielo, tapandose con la mano el sol. La gente, empieza a pararse y a mirar con él. Èl consigue algo sin hacer nada: consigue agrupar a la gente y que ponga su atención en algo que no existe.
“Algunas veces el hacer algo no lleva a nada” paradojas de la práxis. Cubo de hielo arrastrado a lo largo del centro durante todo el día. Al principio es muy pesado, y a medida que se derrite, menos. Dibujo, recorrido, cosa-acto efimero..
Los Siete Niveles de la Basura. Caracoles abandonados que luego busca en tianguis y mercados como la Lagunilla. Encuentra dos de sus caracoles y compra uno de ellos.
Colector. Realiza caminatas arrastrando de un hilo un carrito con imánes en forma de perro.
Re-enactment. Compra una pistola en una armería en el centro de la ciudad del DF, y sale a caminar con ella en la mano, 12 min. despues es detenido por la policía. Fin de la acción videada. Recrea y videograba la misma acción al día siguiente. Presenta ambas proyecciones semejantes, el video de la izq. es un hecho real , el de la der. Es recreado. Reflexión en torno al objeto artístico, su registro y documentación.
Fabiola. En colaboración con la Dia Art Foundation de la Hispanic Society of America, presenta más de 300 copias pintadas a mano del original extraviado de jacques Henners (1855) de la representación de la Santa Fabiola. Colección que realiza Alÿs a lo largo de años, en un esfuerzo de investigación: "¿Por qué esa imagen en particular? ¿Qué le da ese poder para resistir. . . primero de reproducción mecánica y ahora de reproducción digital? ¿Qué significa el acto / ritual de pintar esa imagen. . . para su autor? ¿Qué es lo que ha hecho convertirse en un icono, un objeto más allá de toda consideración de gusto? ¿Cómo ha servido de recordatorio de la existencia de una escena artística completamente paralela y separada de, por ejemplo, 'la nuestra', una con sus propias referencias y obsesiones? "
Puente. Es una acción que llevará a cabo en el Estrecho de Gibraltar el día 11 de agosto de 2008 y que consiste en la unión de ambas orillas en las costas de Marruecos y España a través de un puente de barcos de juguete. La acción, que cuenta con el apoyo de la Fundación NMAC, será documentada mediante la producción de un video que recogerá la intervención que, de modo simultáneo, será desarrollada. Para su realización, Alÿs ha dispuesto una convocatoria con el objeto de reunir a cien niños, de edad comprendida entre los 10 y los 17 años.
Selección bibliográfica:
-Francis Alÿs. A veces hacer algo poético puede convertirse en político ya veces hacer algo político puede convertirse en poético. Nueva York: David Zwirner, 2007. En colaboración con Julien Devaux, Philippe Bellaiche, y Rachel Leah Jones.
-Francis Alÿs. Londres: Phaidon, 2007. Textos de Francis Alÿs, Jean Fisher, Cuauhtémoc Medina, y Augusto Monterroso. Entrevista realizada por Russell Ferguson.
-Alÿs, Francis, y Cuauhtémoc Medina. Cuando la fe mueve montañas. Madrid: Turner, 2005. Textos de Susan Buck-Morss, Gustavo Buntinx, Lynne Cooke, Corinne Diserens, y Gerardo Mosquera.
-Francis Alÿs. La procesión moderna. Nueva York: Public Art Fund, 2004. Textos de Francis Alÿs, Lynne Cooke, Alejandro Díaz, Tom Eccles, Susan K. Freedman, Dario Gamboni, RoseLee Goldberg, Laurence Kardish, Harper Montgomery, Francesco Pellizzi, y Robert Storr.
-Fabiola: Una investigación de Francis Alÿs en colaboración con Curare Espacio Crítico para las Artes. Mexico City: Curare, 1994. Textos de Cuauhtémoc Medina y Francis Alÿs.
Suscribirse a:
Entradas (Atom)
