BID

Seguí la recomendación de Alma y me di un clavado al Banco Intersubjetivo de Deseos, un proyecto de José Miguel Casanova. Me gustaria compartirlo con ustedes compañeras poquianchis

www.bid.com.mx


"El objetivo principal del proyecto Deseos es el de promover la multiplicación del deseo con el fin de ampliar nuestro campo de posibilidades del porvenir. Asimismo, me parece importante promover el encuentro en la identidad común del deseo de un futuro mejor."

"Estimado(a) lector(a):

Esta empresa se interesa por su tiempo y por su futuro.

Sabemos que sus deseos representan su tiempo futuro como su dinero el tiempo de trabajo realizado. Futuro o pasado, el tiempo es oro. Por eso queremos invitarle a abrir una cuenta en el Banco Intersubjetivo de Deseos, donde tenemos el firme objetivo de hacer crecer el capital de deseos de todos nuestros inversionistas. Contamos con un depósito de más de 10000 deseos depositados en nuestras sucursales de la Ciudad de México, La Habana, y Bogotá...."

en esta pagina vienen algunos datos del artista:

http://www.enap.unam.mx/xochimilco/Profesores/glezcasa/ficha.html

glosario de cine

Glosario Cine
http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/glosariocine.htm

[De éste sitio tome la siguiente lista de definiciones tales como 'secuencia' o 'toma', por cierto dichas definiciones nunca serán las definitivas, pues esto tiene relación a su propia dinámica de lenguaje en construcción... sin embargo, aquí están algunos términos propios de dicho lenguaje audiovisual:]

Angulación. Inclinación del eje de la cámara respecto al sujeto que ha de ser captado.
Angulo contrapicado. Cuando la cámara se sitúa por debajo del sujeto.
Ángulo normal o neutro. Cuando el eje del objetivo está a la altura del sujeto, paralelo al suelo.
Ángulo oblicuo o aberrante. Cuando el eje de la cámara se inclina a derecha o izquierda de la vertical.
Ángulo picado. Cuando la cámara se sitúa por encima del sujeto.
Argumento o trama. Desarrollo de un tema por medio de la acción que se narra.
Atmósfera. Se denomina atmósfera al espacio de influencia de una película, al ambiente favorable o adverso que se pretende crear en determinadas escenas. En el cine la atmósfera se planifica con cuidado con el fin de lograr la comunicación interactiva entre lo que hay en la pantalla y el espectador. Para ello, toda la trastienda del cine se vuelve operativa, los decorados, la música, los movimientos de cámara, el ritmo, la puesta en escena, los sonidos ambientales...
Encuadre. Es la selección del campo abarcado por el objetivo en el que se tiene en cuenta el tipo de plano, el ángulo, la altura, y la línea de corte de los sujetos y/u objetos dentro del cuadro, y su precisa colocación en cada sector, para lograr la armonía de la composición y la fluidez narrativa con que se habrá de montar posteriormente. Es decir, la forma de organizar la toma. Es uno de los momentos más delicados e importantes de la filmación ya que en él se tiene en cuenta el tipo de plano, la colocación de objetos y actores, la ubicación de la cámara y todos los puntos de vista que se requerirán para iniciar la toma.

Campo. Es el espacio en el que entran todos los personajes y objetos visibles en la pantalla. Lo que nos suponemos u oímos queda fuera de campo.
Continuidad/raccord/racor. En el guión es la construcción absolutamente detallada de la historia redactada de manera literaria, escena por escena y con sus diálogos. En el rodaje es coherencia entre los elementos de un plano y los de los siguientes. Al rodarse las películas frecuentemente en desorden cronológico (ya que se filma atendiendo a campos de luz, decorados, intensidad de las secuencias, climatología o compromisos de disponibilidad de actores, medios o personal técnico), el cuidado de la continuidad es esencial para evitar rupturas en la fluidez de la acción o el diálogo, así como discrepancias en los detalles, grandes o pequeños.
Corte. Es la forma directa de efectuar la transición entre dos planos. Se llama también cambio de plano por corte simple.
Cortometraje. Película de una duración menor a 30 minutos.
Crédito. (por rótulos, títulos). Anglicismo innecesario que se refiere a los títulos que anteceden o siguen a una película, en la que se citan todos los datos de realización de la misma. A veces se les denomina, en redundancia, títulos de crédito. Tienen una gran importancia para conocer lo que hay tras una película. Algunos directores se han esmerado en presentarlos de forma cinematográfica convirtiéndolos en verdaderas obras clásicas.
Cuadro. Zona delimitada por los cuatro bordes de la pantalla.
Decorados. Espacios artificiales de diversos materiales y en especial de cartón-piedra y madera que simulan lugares reales. Durante mucho tiempo los directores los preferían, debido a la facilidad para el control de la luz y para el movimiento de la cámara. A partir de los movimientos cinematográficos europeos tras la II guerra Mundial, los escenarios naturales, -rodar en las calles, por ejemplo- se hicieron cada vez más comunes.
Distancia mecánica. La que se logra mediante objetivos, sin trasladar la cámara de lugar. Existen objetivos llamados grandes angulares, que amplían el campo de visión, y los teleobjetivos, que lo acercan. Existen, además, objetivos de distancia focal variable (zoom) que posibilitan incluso el cambio de dicha distancia en plena toma.

Eje de cámara: Recta imaginaria definida por la orientación de la cámara, que se extiende desde ésta al objeto filmado.
Elipsis. Es un salto en el tiempo y/o en el espacio. El espectador no pierde la continuidad de la secuencia aunque se han eliminado los pasos intermedios.
Emulsión: En fotografía, fina capa de sustancias químicas sensibles a la luz, adheridas a una base / soporte, que reaccionan en la exposición registrando la imagen que recibe el objetivo de la cámara. En función de la composición de la emulsión, distintas películas presentan distinto grado de sensibilidad a la luz. Dicha sensibilidad se expresa en unidades ASA, cuyos valores más frecuentes oscilan entre los 50 ASA (baja sensibilidad) y 400 ASA (alta sensibilidad).

Encuadre. Es la selección del campo abarcado por el objetivo en el que se tiene en cuenta el tipo de plano, el ángulo, la altura, y la línea de corte de los sujetos y/u objetos dentro del cuadro, y su precisa colocación en cada sector, para lograr la armonía de la composición y la fluidez narrativa con que se habrá de montar posteriormente. Es decir, la forma de organizar la toma. Es uno de los momentos más delicados e importantes de la filmación ya que en él se tiene en cuenta el tipo de plano, la colocación de objetos y actores, la ubicación de la cámara y todos los puntos de vista que se requerirán para iniciar la toma.

Escena. Tal y como se llama en teatro, es la toma que coincide con la entrada y salida de actores del marco de filmación. Es una unidad de tiempo y de acción que viene reflejada en el guión cinematográfico. Suele explicar el momento y lugar en el que sucede algo. Ejemplo: Parque de atracciones. Exterior. Noche.
Etalonaje: Es el proceso de ajuste y/o igualado progresivo de la fotografía de cada toma montada, a partir del primer copión (moviola) o telecine (vídeo o sistema digital). Así se homogeneiza todo el proceso para evitar saltos de continuidad de luz.

Falta de raccord/racor. Es la ausencia de coherencia entre dos planos. Algo que sobra o que falta, una copa vacía y luego llena. En realidad se llama a cualquier incoherencia entre secuencias, a un anacronismo muy significativo, no previsto, de época (un reloj en un personaje medieval).

Fotograma. Cada uno de las imágenes que se suceden en una película cinematográfica rodada en celuloide. Es el elemento más pequeño de la película.
Frame: (Ang.) Equivalente del fotograma en soporte magnético (cinta de vídeo, donde la imagen está codificada electrónicamente). Un segundo de vídeo está compuesto de diversos números de frames, según la norma de grabación. En la norma PAL, utilizada en la mayoría de países europeos, un segundo contiene 25 frames. En la norma NTSC, estándar norteamericano, un segundo contiene aproximadamente 30 frames.
Fuera de campo. Acción o diálogo que oímos pero no vemos ya que tiene lugar fuera del campo visual o campo de la cámara.
Fundido. Es una transición entre planos, en la que desaparece progresivamente la imagen que se fundía en negro y se disuelve por completo antes de que otra imagen surja de la misma oscuridad. Oscurecimiento gradual de la pantalla hasta quedar totalmente negra (fundido en negro) o, excepcionalmente de otro color, abriéndose el siguiente. Fade-in se llama al que cierra y fade-out al que abre. Se usa para indicar el paso del tiempo o un cambio radical de escenario.
Fundido encadenado. Es un fundido más suave, en el que el plano es sustituido por otro que se le superpone progresivamente, sin corte.
Guión. Es la idea de lo que va a ser la película plasmada por escrito, con narración, diálogos, descripción de personajes y escenarios.
Guión técnico. Es el guión al que se añaden multitud de anotaciones y elementos que tienen que ver con el rodaje. Tiene más que ver con la planificación.
Montaje. La organización de la película tras el rodaje. Elegir, cortar y pegar los diferentes trozos de película, con una idea determinada por el guión. Durante el proceso de montaje se seleccionan y descartan secuencias y se imprime el ritmo a la película.
Persistencia retiniana. El ojo retiene las imágenes durante una fracción de segundo después de su desaparición, lo que permite ver 24 imágenes fijas por segundo como una imagen en movimiento continuado. Roget, físico, descubrió el fenómeno en 1824.
Plan de rodaje. Se llama a un documento gráfico, normalmente en forma de tablero, que indica a los participantes en el rodaje, en un calendario, el número de planos, escenas o secuencias a rodar por día, la participación de actores y figurantes y los requerimientos de todo orden que deben estar disponibles para cada jornada de trabajo.
Plano. Es lo filmado de una sola vez. No obstante, plano también se llama el espacio que recoge la filmación en relación con la figura humana: plano general, plano entero, plano americano, plano medio, primer plano, plano detalle.
Plano-secuencia. Secuencia filmada en continuidad, sin corte entre planos, en la que la cámara se desplaza de acuerdo a una meticulosa planificación.
Planteamiento. Siguiendo la terminología de la literatura, es la parte inicial de la trama en la que se presentan los personajes y el conflicto que se va a desarrollar.
Raccord (Racor). Es la coherencia entre unas secuencias y otras. En gramática equivale al papel que hace la concordancia. Si una actriz lleva un vestido roto en una secuencia debe mantenerse así mientras dure esa situación. Lo contrario se llama «falta de raccord».
Realizador@. A veces sinónimo de director. Se le llama sobre todo cuando se ocupa sólo de la puesta en escena y del rodaje.
Ritmo. Es el movimiento que se imprime a la acción en una película y se consigue adecuando la duración de cada plano y los recursos sonoros, icónicos y expresivos que se utilizan. El ritmo puede lograrse con planos de corta duración y numerosos, en un ritmo rápido, con planos de larga duración y muy poco numerosos, en un ritmo lento, planos cada vez más breves, o cada vez más largos (in crescendo), o sin norma fija, con cambios bruscos. Los sonidos y la música pueden apoyar el ritmo de las imágenes.
Rush. Se llama a los fragmentos de cada toma.
Scrip. Se llama así a la secretaria de rodaje. Realiza una función muy importante y de gran responsabilidad en el desarrollo de la película. Una de sus más relevantes tareas es la de lograr que haya continuidad entre las escenas, dejando claramente constancia de cualquier detalle que vaya a ser continuado en la secuencia posterior, aunque medien entre ellas días o espacios de tiempo muy amplios, con el fin de evitar incoherencias de rodaje y faltas de racor.
Secuencia. Es una acción un tanto complicada en la que se mezclan escenas, planos, lugares. No tienen por qué coincidir en ella en tiempo fílmico y el real. Poseen una unidad de acción, un ritmo determinado y contenido en sí misma. Se puede comparar al capítulo de una novela.

Story Board. Es como un cómic con la historia dibujada de la película, expuesta plano a plano por medio de dibujos que señalan el encuadre a realizar y van acompañados de los textos con los diálogos correspondientes. Es muy útil en el momento del rodaje, pues facilita el trabajo de los técnicos sobre todo en secuencias de acción. Es imprescindible donde hay efectos especiales que posteriormente han de superponerse.

Toma. En la gramática del lenguaje, se puede decir que la toma es el momento que transcurre desde que el obturador se abre hasta que se cierra. Equivale a la palabra plano, que es la unidad operativa elemental de la película. Si el fotograma es la palabra, el plano es la frase. Es la filmación o fotografiado. También se llama a la acción de filmar: vamos a hacer una toma.

http://www.ramona.org.ar/node/20993

imagen: fragmento de pieza de Proceso Pentágono

Texto de Maris Bustamente acerca del 'No Objetualismo', antecedentes, alógicas de pensamiento precolombino, menciona el trabajo de Alejandro Jodorowsky en la década de los 60's,  menciona también a una  rotunda lista de grupos, entre ellos el de Peyote y la Cía.

Nota: En esta misma entrada había anunciado anteriormente a www.17.edu.mx/

Instituto de Estudios Críticos. Maestría, diplomados, y posgrado en áreas afines al estudio del arte. 

    

Peyote y la Compañía

No he encontrado aun ejemplos de sus obras. :(

Adolfo “Peyote” Patiño

Adolfo Patiño, Adolfotógrafo, Adolfrido o El caudillo sin revolución, como alguna vez lo llamó la crítica de arte Raquel Tibol, nació en la Ciudad de México el 7 de diciembre de 1954.
Inició su labor en las artes visuales a principios de los años 70, primero dentro de la fotografía, donde creó el Grupo de Fotógrafos Independientes y las Exposiciones Ambulantes: “Fotografía en la Calle”, además del grupo de artes interdisciplinario Peyote y la Compañía, donde fue pionero de la instalación y el performance.
Su trabajo abordó los procesos de la memoria, la infancia, la familia, la exploración propia a través del auto-retrato, y de manera muy particular se apropió de iconos de la cultura popular y de las artes, como la Virgen de Guadalupe, las banderas mexicana y estadounidense, Frida Kahlo, Marcel Duchamp y Andy Warhol.
Sus soportes fueron múltiples: el cine en formato Súper-8, la fotografía, las máquinas fotográficas estilo “fotomatón”, el arte-objeto, con amplia producción con sus cajas “marcos de referencia”, el tapiz y las instalaciones en intervenciones en espacios in-situ.
En el área académica y organizativa realizó numerosas curadurías, mayormente de artistas mexicanos, cubanos y méxico-estadounidenses, siempre desde un espíritu crítico y de búsqueda.
Fundador de la galería-espacio alternativo La Agencia, despues conocida como El espacio-Galería nómada, hasta 2005.
Exhibió profusamente en muestras individuales y colectivas en casi todos los museos y galerías de la Ciudad de México y gran parte de la República Mexicana, entre ellos: El Palacio de Bellas Artes, Museo de Arte Moderno, Museo Nacional de Arte, Museo Tamayo, Centro Cultural de Arte Contemporáneo, Centro de la Imagen, MARCO, el Museo de Monterrey y Instituto Cultural Cabañas.
Alternó su residencia en el Distrito Federal con amplios momentos en la ciudad de Nueva York.
Estados Unidos es el país del extranjero, después de México, donde más se ha exhibido y estudiado su obra. El Museo Metropolitano de Nueva York ha mostrado su obra y la cuenta entre su acervo.
La biblio-hemerografía sobre su obra es extensa, al igual que las colecciones públicas y privadas donde están sus piezas, tales como el Museo de Arte Moderno, la Colección FEMSA, el Consejo Mexicano de Fotografía y Fundación Cultural Televisa, A.C.

En sus estridentes performances con “Peyote y la Compañía”, solía aparecer como “Adol-Frida”, vestido de Frida Khalo, con sus típicas cejas unidas en su frente o como “Adol-Fotografo”, tomando excelentes fotografías y con una cadena al cuello con letras en oro que decían “Adolfotografo”, o como “Tin Tan Tzara”, con banderas mexicanas y banderas gringas, iconos populares, milagritos de oro, dólares gringos, cruces, altares, botellas de coca cola, corazones de hojalata, cromos multicolores, barajas de la lotería popular, marcos de referencia hechos con esas reglas de madera de las que usábamos en la escuela, vírgenes de Guadalupe y con mucha desfachatez al apropiarse “Like a Ready Made” de la sopa Campell de Warhol y bautizarla como la versión de maíz, Campell de elotes a la mexicana.

Admirador absoluto de Marcel Duchamp, de Frida Kahlo, de Armando Reverón, de Henri Matisse, de los dadaístas, de los Estridentistas y los Mexicanistas de la época de oro del muralismo y ''Adorador del trabajo de David Alfaro Sequeiros y sobre todo de Andy Warhol.Dice Patiño: Lo que hago en arte se llama “Trans- fusion”, un poco entre el trans del transvanguardismo y fusión de todas las corrientes, pero también con la idea de una transfusión de sangre constante y nueva.Estoy convencido que un hombre dice lo que piensa, mientras que un poeta dice lo que siente. Estoy en el segundo rango, mucho más cerca de la poesía que de la cotidianidad.Patiño decía, Estoy abriendo el umbral del renacimiento, aquí la mitad de las personas te quieren, mientras que la otra te odia, como dice Raquel Tibol, en el sentido de hacerse de un enemigo diario, creo que me he echo, no de uno, sino de 10 diarios. ''Lo curioso es que la envidia y la enemistad se dan simplemente porque he tenido la posibilidad de desarrollar mis ideas con mucha libertad''.Tengo enemigos porque soy un artista extraordinario y tengo el reconocimiento de todos los historiadores del arte, ya que en casi en todos los libros de arte contemporáneo aparece Adolfo Patiño.

En el diario, La Jornada, declaró: "Estoy entrando al umbral del renacimiento, estoy naciendo en un momento de decadencia mundial, digamos, porque el arte ya no tiene mucho de sentido filosófico, sino que se ha vuelto un producto comercial, sobre todo sin identidad con esto de la globalización".

El Martes 30 de agosto del año 2005, falleció el Performancista, Adolfo “Peyote” Patiño, “Dicen que el Patiño se cayó de una altura de más de once metros y murió de esa caída… a los 51 años de edad, a tan solo medio cupón, realizó este su último Performance. Su hermano Armando Cristeto nos cuenta que al parecer a se le olvidaron las llaves de su departamento. -Cuando eso pasaba, tenía la costumbre de subir a la azotea del edificio de cuatro pisos, de donde se descolgaba hacia la ventana de su casa y con una patada, la abría y entraba, Adolfo era ágil, ya lo había hecho muchas veces y siempre lo comentaba como una hazaña, que podía como Spiderman subir a la azotea cuando se le olvidaban las llaves, empujar la ventana y ya estaba en el departamento. Era una de esas mañas urbanas que él de repente desarrolló-”.

http://carloszerpa.blogspot.com/2007/04/adolfo-peyote-patio-y-la-compaa.html

También estuvieron Carla Rippey y Armando Cristeto, pero es una historia para otro momento.

concepto y registro

Dennis Hoppenheim. (Electric City, Washington 1938-) Artísta conceptual, en un tiempo realiza proyectos Land Art (obras de la tierra, expo colectiva Dwan Gallery, New York, 1968); realiza happenings, o actos en vivo, en cuyo contenido el cuerpo cobra importancia clave. Su trabajo debreya en la discontinuidad aparente, en un inicio, land art, luego instalaciones donde se incluía a manera de titere, y ya pasados los setentas, máquinas, enormes y complejos montajes con maquinaria industrial.

John Baldessari. (National City, California, 1931-) Utiliza la fotografía como herramienta y al lenguaje, al momentpo de producir el discurso en sus imágenes.

Six Colorful Inside Job, 1971. 

Instalación/performance paralelo entre arte y vida; juega con el humor en la ironía de trabajar habitando por completo el interior de un espacio arquitectónico con un color diferente cada día. Stills de toma cenital.

 Vitto Acconci (New York, EU 1940 -). Se inicia en el campo de la poesía, para desarrollar su trabajo en el arte corporal o body art, se apoya en la fotografía y el cine, desde los 80's con el video. el realizó entre los sesentas y setentas algunas piezas performáticas para ser transmitidas en video, bajo la idea de dirigirse a un probable espectador, inquiriendo su atención a traves de largos monólogos a la cámara, por ejemplo: se tiraba al piso y ahí realizaba alguna situación 'demoledora', como mansturbarse; y todo ello mediante encuadres poco usuales.

Actualmente Acconci realiza mucho instalaciones, y opina que aquellos trabajos donde se grababa y era extremadamente narcisista corresponden a su momento histórico, por eso hoy estan fuera de contexto totalmente. No es que desconozca aquella producción, sino que simplemente la idea ontológica del ser artista y hacer arte para él, a modificado su sentido en la actualidad. Su sitio: www.acconci.com

Bruce Nauman (Font Wayne, Indiana EU 1941-). De producción metódica, trabaja desde finales de los 60's con equipos de cine de 16 mm, hasta la incorporación del video tape en los ochentas. Fue de los primeros en grabar sus performances, con un lenguaje audiovisual rudimentario: toma fija, sin montaje o edición, audio pobre o sin audio, etc. Acciones de naturaleza mínimal, donde recurre a  actos cíclicos, cero dramatización, nulidad en cuanto a lenguaje cinematográfico (montaje narrativo), etc.

En el trabajo de Neuman estan presentes el sitio, el performer y la tecnología con que se apropia de todo el conjunto. 

Yasumasa Morimura

Yasumasa Morimura (Osaka, Japón 1951-) de nuevo la fotografía presente con una gran carga narcisista y de crítica de la historia del arte de occidente en relación al acto de apropiación a galope que éste artista realiza valiéndose de su rostro, de la foto y de la historia del arte mismo.

link de performance

http://www.perfoartnet.org/pas-archive-archivo.htm
PAS es un archivo de Performance Mundial donde los artistas y teóricos envían su material en video, fotografía y escritos para ser publicados en este sitio.